Når du står foran en stærk illustration eller et maleri, der efterlader dig målløs, er det sjældent kun på grund af, hvor godt det er tegnet. I de fleste tilfælde kommer virkningen fra, hvordan kunstneren har håndteret det. figuration, billedstof og komposition at rette dit blik, sætte tonen og give mening til scenen.
Forståelse af, hvordan det fungerer figuration gennem billedlig materie Og hvordan det relaterer sig til abstraktion, ikonicitet og kompositionsprincipper er nøglen, hvis du vil forbedre dig inden for illustration og grafisk design; hvis du skal begynde at male, Opdag forskellige måder at bringe dine kreationer til live.
Hvad er figuration gennem billedlig materie?
Inden for kunstens teknikker refererer figuration gennem billedlig materie til, hvordan du bruger selve materialet i maleriet eller det grafiske medie (penselstrøg, teksturer, pletter, kanter, lag, gestus osv.) for at konstruere eller antyde genkendelige former. Det handler ikke bare om at "male et objekt", men om at bestemme, hvor meget figurativ information du giver, og hvor meget du overlader til abstraktion og beskuerens fortolkning.
I praksis betyder det, at man kan blande forskellige ting i det samme stykke. meget beskrivende og realistiske områder med næsten abstrakte områder, hvor det billedlige stof hersker: farvepletter, gestuslinjer, forenklede planer eller overflader, der behandles udtryksfuldt. Denne spænding mellem det, der er klart genkendeligt, og det, der antydes, skaber stor visuel rigdom og åbner budskabet for forskellige fortolkninger.
Det er vigtigt at huske på, at den endelige betydning ikke udelukkende kontrolleres af kunstneren: det er beskueren, der i sidste ende bestemmer den. opbygge budskabet baseret på deres oplevelserEt meget figurativt billede kan være konceptuelt tvetydigt, og en meget abstrakt komposition kan kommunikere ret præcist, hvis den er godt planlagt.
Når vi taler om figuration gennem billedlig materie, bevæger vi os således på en akse, hvor form kan spænde fra trofast og hyperrealistisk repræsentation indtil den næsten total abstraktionder går gennem flere mellemliggende grader (stilisering, geometrisering, syntese osv.). Tricket er at vælge præcis det punkt på den akse, der bedst tjener det, du ønsker at formidle.
Figuration, abstraktion og budskabsintention
For at arbejde med sund dømmekraft er det nyttigt at antage – om end kun som en forenkling – at Figurativt sprog har en tendens til at være mere konkrete budskaber og Abstraktion har en tendens til mere åbne eller tvetydige budskaberDet er ikke en universel lov, men den hjælper dig med at beslutte, hvilke slags former du skal bruge, baseret på det niveau af klarhed eller forslag, du leder efter.
I en meget præcis repræsentation (for eksempel hyperrealistisk fotografi eller maleri) understøttet af en klar tekst eller sproglig kontekstBudskabet tvinges mod maksimal konkretisering: det, du ser, er mere eller mindre det, der er der. Når du derimod reducerer graden af ikonicitet – ved at forenkle former, lege med billedmaterialet eller fjerne tekst – åbner meningen sig, og beskueren får plads til fortolkning.
Vi kan hæve nogle typiske kombinationer mellem figuration, abstraktion og skriftsprog, der fungerer som et mentalt kort ved design:
- Præcis figuration + specifik tekstDirekte, meget kontrollerede budskaber. Ideelt til plakater, infografik og lederartikler, hvor du vil undgå enhver tvetydighed.
- Stiliseret figuration + konkret tekstTeksten lukker betydningen, men billedet efterlader en lille margen for fortolkning takket være det billedlige stof og den formelle deformation.
- Stiliseret figuration + abstrakt tekst eller ingen tekst: a begynder at dukke op attraktiv tvetydighed, hvor formerne refererer til genkendelige objekter, men ikke fikserer dem fuldstændigt.
- Minimal eller næsten falsk figurationReferencerne til den virkelige verden er så svage eller forvrængede, at seeren projicerer meget af sig selv over på læsningen.
- Ingen figurativ + konkret tekstBilledet er abstrakt, men teksten forankrer det. Nyttig i konceptuelt grafisk design, plakater eller branding med højt symbolsk indhold.
- Ingen figuration uden tekstdu træder ind i verden af ren abstraktionhvor det billedlige stof, farven og kompositionen er alt.
Det interessante er at forstå, at du ikke er forpligtet til at blive på ét sted: du kan kombinere områder meget klare figurative elementer med fuldstændig abstrakte områder, eller leg med bogstavelig tekst og tekst brugt næsten som en grafisk tekstur, afhængigt af projektet.
Ikonisk karakter: fra hyperrealisme til ren abstraktion
For at ordne disse grader af figuration og abstraktion, den såkaldte skalaer af ikonicitetDisse klassifikationer kategoriserer billeder efter deres lighed med den virkelighed, de repræsenterer. Jo højere ikonicitet, desto mere tydelig er forholdet til referenten; jo lavere ikonicitet, desto mere abstrakt er tegnet.
Forfattere som Abraham Moles og Justo Villafañe foreslog meget detaljerede skalaer med 11 eller 12 niveauer, lige fra et naturalistisk billede til nonfigurativ repræsentation. Dette er især nyttigt inden for grafisk design, hvor præcise beslutninger er afgørende. hvor meget lighed vil du bevare med det repræsenterede objekt.
I den ene ende har vi hyperrealismsom endda overgår den naturlige opfattelse (overdrevne detaljer, teksturer presset til det yderste). Så ville der komme en realistisk repræsentation, traditionelt maleri tro mod motivet, og lidt efter lidt ville man sænke niveauet af ikonicitet gennem stilisering, geometrisering og syntese.
På de laveste niveauer vises piktogrammer, motiverede skemaer (såsom kort eller diagrammer), og endelig fuldstændig nonfigurativ repræsentationhvor der ikke længere er et tydeligt spor af det oprindelige objekt, og det, der er fremherskende, er former, rytmer, farver og tekstur.
Serien af Picassos tyr Det er en klassisk måde at forstå det på: det starter med en volumetrisk, muskuløs tyr og fjerner, litografi for litografi, detaljer, indtil det når frem til et ideogram lavet med næsten en enkelt linje. Hvert trin reducerer det figurative materiale og øger det abstrakte element, men man genkender stadig "tyr" i en stor del af processen takket være manipulationen af formen.
Abstraktion: grader og rolle i illustration og design
Abstraktion består i bred forstand af Adskil det essentielle fra det tilbehørInden for kunst og illustration oversættes det til at repræsentere ideer, følelser eller koncepter uden en bogstavelig beskrivelse af den synlige verden. Inden for design giver abstraktion dig mulighed for at destillere et komplekst objekt til et simpelt og kraftfuldt ikon.
Vi kan tale om forskellige niveauer af abstraktion afhængigt af hvor langt man bevæger sig væk fra håndgribelig materie og genkendelig form. Fra en mere formel abstraktion, som stadig bevarer objektets fysiske træk, til en radikal konceptuel abstraktion, tæt på det metafysiske eller filosofiske.
Inden for anvendt illustration og grafisk design arbejder man sjældent med "ren" abstraktion, fordi hovedmålet er kommuniker tydeligtMen at introducere kontrollerede doser af abstraktion – gennem det billedlige materiale, formel syntese eller den udtryksfulde brug af farver – hjælper dig med at give dine billeder lag af betydning og en langt rigere atmosfære.
Visuelt er abstraktion ofte afhængig af forenklede geometriske formerEkstrem reduktion af detaljer, bevidst forstyrrelse af proportioner, brug af flade eller meget symbolske farver og teksturer, der bliver hovedfokus. Alt dette, kombineret med figurative elementer, kan generere illustrationer og designstykker med en meget stærk identitet.
Figuration i illustration: fortælling, stil og objektiv
Illustration er per definition et visuelt sprog, der er rettet mod fortælle noget specifiktEn historie, en idé, et koncept, en information. I modsætning til ren kontemplativ kunst har illustration en udpræget kommunikativ funktion, selvom dette ikke udelukker at lege med flertydighed og det poetiske, hvis bestillingen tillader det.
I dag er illustration overalt: bøger, aviser, tegneserier, reklamer, emballage, videospil, digitale grænseflader, sociale medier… I de fleste af disse sammenhænge arbejder du i en todimensionelt miljø hvor du skal beslutte, hvor meget realisme du ønsker, hvilken type billedmateriale du vil bruge (traditionelt, digitalt, blandet teknik), og hvilken grad af ikonicitet der er mest passende for det publikum, du henvender dig til.
Et centralt træk ved illustrationen er visuel fortællingDu behøver ikke altid ord for at læseren kan forstå, hvad der sker. Du kan bruge komposition, farvebrug, karakterernes kropssprog, forholdet mellem positivt og negativt rum eller kontrasten mellem figurative og abstrakte områder til at guide læsningen.
Hver illustrator opbygger til sidst en egen stilDette er intet andet end en personlig måde at beslutte: hvad man skal forenkle, hvad man skal overdrive, hvad man skal udelade, hvilken slags billedmateriale man skal vælge, og hvilket forhold man skal etablere mellem figuration og abstraktion. Denne stil bliver dit kendetegn og er det, der gør dit arbejde genkendeligt midt i så meget visuelt indhold.
De fem vigtigste tekniske søjler inden for illustration
For at kunne arbejde frit med figuration og abstraktion, har du brug for et solidt fundament inden for flere tekniske områder. Ud over inspiration er illustration afhængig af en række søjler, der skal mestres Hvis du vil have reel kontrol over dine billeder og vide grundlæggende materialer til at komme i gang.
Tegning, farve, komposition, teknikker og personlig stil De er sammenflettede, og de påvirker alle, hvordan du håndterer billedmaterialet. De er kort opdelt nedenfor med fokus på, hvordan de relaterer sig til figuration.
Tegning og konstruktion af formularen
Tegning er fortsat det grundlæggende værktøj: uden et minimumsniveau af tegnefærdigheder er det meget vanskeligt at opnå en overbevisende figurationUanset hvor udtryksfuldt dit penselstrøg end måtte være, omfatter tegning proportioner, anatomi, perspektiv, volumen og evnen til at syntetisere.
At lære at observere og derefter oversætte det, du ser, til simple former – blokke, cylindre, kugler, planer – er det, der giver dig mulighed for senere at forvrænge, stilisere eller abstrahere meningsfuldtForfattere som Cézanne arbejdede allerede på denne måde og fortolkede objekter gennem grundlæggende faste stoffer for at opbygge solide og troværdige figurer.
Farve- og kromatisk teori anvendt på figuration
Farver er ikke kun til at "dekorere" en figur: de er et stærkt værktøj til skabe volumen, dybde, følelsesmæssig atmosfære og visuelt hierarkiPå et figurativt niveau hjælper det dig med at adskille planer, markere fokus og styre beskuerens blik.
Forståelse af farvehjulet, farveharmonier og farvepsykologi giver dig mulighed for at beslutte, hvornår du har brug for en Naturalistisk farve og hvornår du har råd til friheder mere abstrakt. Et grønt ansigt eller en orange himmel kan stadig være figurative, hvis strukturen er velkonstrueret, men de tilføjer et konceptuelt og følelsesmæssigt lag, der går ud over blot repræsentation.
Visuel komposition og billedligt rum
Komposition er den bevidste planlægning af, hvordan Du fordeler elementerne inden for billedrummetDet er ikke noget, der er overladt til tilfældighederne: det påvirker direkte, hvordan beskueren navigerer i billedet, hvad de ser først, hvad de ignorerer, og hvad de fortolker som vigtigt.
Vælg et format (lodret, vandret, firkantet, panorama) Dette er allerede en første kompositionsbeslutning. Rektanglet er normalt fleksibelt og let at balancere, mens et firkantet eller cirkulært format kan generere forskellige spændinger og tvinge dig til at løse balancen på en anden måde.
Inden for rammen er rummet opdelt mellem positivt rum (de formularer, der "udfyldes") og negativ plads (de hulrum, der omgiver dem). At lege med dette forhold er nøglen til både klar figuration og interessant abstraktion. En genkendelig silhuet kan blive meget mere kraftfuld, hvis du skærer den ud mod en ren, veldesignet baggrund.
Teknikker, materialer og billedmateriale
Begrebet billedlig materie bliver meget bogstaveligt, når man arbejder med akvarel, olie, akryl, blæk, gouache eller blyanterog endda teknikker som f.eks. rygningPenselstrøgens tykkelse, glasurens gennemsigtighed og papirets eller lærredets tekstur påvirker direkte, hvordan vi opfatter figuren, og hvor mange detaljer vi ønsker at antyde.
I den digitale verden (Photoshop, Illustrator, Procreate osv.) findes der også malerisk materiale: pensler, der imiterer olie eller akvarel, scannede teksturer, korn, overlays… At beslutte, om en figur skal opløses med rene kanter og ensartet farve eller med revne kanter, pletter og stænk siger meget om den grad af figuration, du ønsker at håndtere.
Stil og visuel identitet
Din stil er syntesen af alle disse beslutninger: hvor meget du forenkler, hvilken type linje du bruger, hvilken palet du gentager, hvilke teksturer du kan lide, Hvordan håndterer du hænder, ansigter, baggrunde, folder?osv. Det er i bund og grund din sædvanlige måde at placere figuration og abstraktion i hvert billede.
Det tager tid, forsøg og fejl, analyse af påvirkninger og en masse tegning at finde den stil. Men når den først er etableret, bliver den filter som du mere eller mindre ubevidst anvender på enhver bestilling: du ved, på hvilke områder du er mest tro mod virkeligheden, og på hvilke du lader det billedlige stof tage over.
Grundlæggende elementer i kompositionen til tjeneste for figuration
Kilde: Industri Podcast
For at figuration kan fungere inden for det billedlige rum, skal du arrangere dine elementer efter bestemte regler. Dette er ikke rigide formler, men snarere... principper, der er værd at mestre før de med vilje ødelægger dem.
Blandt de grundlæggende elementer er linje, form og værdi (chiaroscuro)Tekstur og rum. Disse kombineres med designprincipper som balance, proportioner, rytme, bevægelse, vægtning, harmoni, enhed og variation.
For eksempel kan linjen fungere som en figurativ omrids eller som abstrakt gestusstrøg der retter blikket. Formerne kan være geometriske (koldere og mere ordnede) eller organiske (tættere på naturen), og afhængigt af det vil din figuration virke mere rationel eller mere følelsesladet.
Værdi (intervallet fra lys til mørk) er afgørende for at "modellere" figuren og få den til at fremstå tredimensionel på en plan overflade. Omhyggelig håndtering af kontrast kan generere meget klare fokuspunkter, selvom detaljerne i billedsagen er ret frie.
Designprincipper: balance, rytme, vægtning og enhed
Designprincipper er de regler, der styrer, hvordan elementer relaterer sig til hinanden i en komposition. Du kan tænke på dem som "fysiske love" af det visuelle univers, hvor din figuration befinder sig.
El balance Det har at gøre med fordelingen af visuel vægt. Hvert objekt, hver farveplette eller hver farveblok har vægt. Du kan skabe en symmetrisk (mere statisk, stabil) eller asymmetrisk (mere dynamisk) balance ved at lege med størrelse, farve, mætning, position eller tekstur.
El bevægelse og Ritmo De relaterer sig til, hvordan beskuerens øje bevæger sig hen over illustrationen. Gentagelser af former, sekvenser af lys og skygge, diagonaler, kurver og overlapninger er med til at generere læseflow. En god figur er ikke kun genkendelig, den er også placeret på en sådan måde, at inviterer dig til at udforske billedet.
El vægt Det giver dig mulighed for klart at definere et eller flere fokuspunkter. Vi kan skabe dem gennem kontrast i værdi, farve, størrelse, isolation (et enkelt element i et klart område), konvergens af linjer, der peger mod det punkt, eller gennem det usædvanlige (noget, der bryder et etableret mønster).
Endelig harmoni, enhed og variation De regulerer, hvor meget du gentager, og hvor meget du ændrer elementer inden for det samme billede. For meget harmoni uden variation er kedeligt; for meget variation uden enhed skaber kaos. Figurative elementer kan tjene som et samlende element – for eksempel ved at gentage en type ansigt eller silhuet – mens variationer i farve, tekstur eller komposition tilføjer livlighed.
Nyttige regler: tredjedelesregel, diagonaler, gylden trekant og forenkling
Ud over de generelle principper er der en række kompositionelle elementer. praktiske ressourcer i vid udstrækning brugt af kunstnere, illustratorer, fotografer og designere til at organisere rum effektivt og behageligt.
La regel om tredjedele Denne teknik indebærer at opdele billedet i et 3 x 3-gitter og placere de vigtige områder af motivet nær linjerne eller ved skæringspunkterne. Dette skaber en afbalanceret spænding: motivet er hverken helt centreret eller tabt i den ene kant.
Andre ressourcer, såsom oddsreglenDe antyder, at grupper på tre, fem eller syv elementer er visuelt mere interessante end par, fordi de skaber asymmetri og dermed bevægelse. Dette kan anvendes på karakterer, gentagne objekter eller farvepletter.
Opkaldet rummets regel Dette refererer til at efterlade plads i den retning, en karakter bevæger sig eller kigger i. Dette negative rum antyder bevægelse, tanke eller forventning. Her kan billedmaterialet være minimalt (en næsten flad baggrund) uden at billedet mister sin effekt.
El gylden trekant Og andre geometriske konstruktioner (som den gyldne spiral) tjener til at organisere indre diagonaler, der styrer øjet og placerer figurerne i områder med høj visuel spænding. De er ikke obligatoriske, men når du bruger dem dygtigt, får dine billeder dybde og dynamik.
Endelig forenkling Det er en essentiel teknik: at fjerne unødvendige detaljer, rydde op i baggrunde, reducere visuel støj og reservere den maksimale mængde information til nøglepunkter. I forholdet mellem figuration og maling betyder det at beslutte, hvilke dele af maleriet der skal være meget detaljerede, og hvilke der kan forblive antydede, næsten abstrakte.
Ikonisk karakter og grafisk design: når figuration kommunikerer
I grafisk design er ikonicitet ikke en teoretisk indfald: det er det værktøj, hvormed man definerer graden af klarhed og universalitet af dine visuelle budskaber. En plakat til et hospital kan for eksempel ikke være kryptisk: du har brug for piktogrammer og meget ikoniske figurer, som alle kan forstå med det samme.
Badeværelsesikoner, trafikskilte og handlingssymboler i grænseflader (forstørrelsesglas til søgning, hus til "hjem", skraldespand til sletning) er eksempler på ekstremt syntetiseret figuration der opererer på mellemliggende niveauer af ikonicitet: de er ikke realistiske, men de bevarer lige nok til at være umiddelbare.
Abstraktion kommer i spil, når du er interesseret i at bygge en eget visuelle sprogFor eksempel inden for branding: logoer reduceret til geometriske former, symbolsystemer, grafiske ressourcer, der, når de gentages, bliver ikoniske. Men selv dér, hvis dit mål er at det skal forstås, skal du være forsigtig med ikke at afvige for langt fra den reference eller det koncept, du ønsker at forbinde med det pågældende brand.
Den grafiske designer tillader, i modsætning til den visuelle kunstner, normalt ikke total abstraktion i kommercielle projekter, fordi deres mission ikke så meget er at fremkalde åbne refleksioner som at formidle et specifikt budskab til en bestemt målgruppeDet forhindrer mig ikke i at involvere mig i personlige projekter eller tage abstrakte ressourcer til højere niveauer af ikonicitet for at integrere dem som funktionelt design.
I både illustration og grafisk design er repræsentationen af billedmateriale en et kontinuerligt spil af beslutningerHvor meget at vise, hvor meget at antyde, hvor meget virkelighed at bevare, og hvor meget at lade opløses i farve, tekstur og gestus. Når du forstår, hvordan ikonicitet, abstraktion og kompositionens principper artikuleres, begynder du at at virkelig kontrollere hvad dine billeder siger, og hvordan de siger det, i stedet for at overlade det til tilfældighederne.